Madrid, 16 Jun (Notimex).- El compositor estadunidense Steve Reich afirmó hoy aquí que es normal que músicos bien formados y con aptitudes para la música clásica incursionen en géneros populares como el rock and roll y otros.
En rueda de prensa con motivo del Premio Fundación BBVA “Fronteras del Conocimiento” 2013 en la categoría de Música Contemporánea, que recibirá este martes en Madrid, precisó que la ruptura entre los géneros “es algo anormal”.
“La norma es que la experiencia cotidiana de la música combine la popular con la culta. Solo una vez se cerró y fue una situación rara, pero ya hubo una restauración de los valores normales que siempre han estado en la música”, aseveró.
Sobre su obra, explicó que continúa con cánones aprendidos en los años 60 del siglo pasado como las técnicas serial o dodecafónicas, aunque ya con menos experimentación en cuanto a los sonidos que no parten de instrumentos tocados por las personas.
Recalcó que trabaja en una obra de música de cuerdas, vientos y bajo, que terminará en 2016 y se estrenará en Londres, París y Colonia, para después llevarla a Nueva York.
Asimismo, refirió la obra “Reescritura radiofónica” en la que trabaja a partir de dos canciones del grupo Radiohead, al conocer la obra del integrante de la banda Jonny Greenwood.
Destacó que también de su etapa reciente está la obra “WTC911” (por los atentados del 11 de septiembre de 2001) para cuarteto de cuerdas y voces de tres movimientos que incorporan voces de controladores aéreos, bomberos y mujeres judías que rezaban salmos por las víctimas.
Reich es considerado uno de los principales representantes de la música culta en Estados Unidos, estudió composición con Hall Overton, y después con William Bergsma y Vincent Persichetti en la Juilliard School (1958-1961), donde conoció a Philip Glass, y después con Darius Milhaud y Luciano Berio.
En ese tiempo fue cuando se desmarcó de la línea trazada desde Europa a partir de la Segunda Escuela de Viena y se sumó a la andadura propia de la música contemporánea estadunidense.
En 1963 obtuvo una maestría en Arte, y en 1964 participó en el estreno de “In C”, de Terry Riley, que le influye enormemente en su acercamiento a la música repetitiva.
Entre sus primeras obras destacan “It´s gonna rain” (1965) y en 1966 fundó su propio ensamble, el Steve Reich and Musicians, con el que logra éxito mundial.
En esos años frecuentaba pintores de su generación como Sol LeWitt y Robert Smithson y tocó en la Park Place Gallery entre 1966 y 1967, por lo que encarnó el minimalismo, cuya obra emblemática es “Pendulum Music”, que se sitúa entre la escultura sonora y la performance, y que sería estrenada en 1968 por él mismo y el pintor William Wylie.
En 1969, Steve Reich y Philip Glass trabajan algún tiempo con “Moondog” y lo proclaman padre y fundador del “minimalismo”.
En el verano de 1970, Reich estudia percusiones africanas en el Instituto de Estudios Africanos de la Universidad de Ghana y tras la experiencia compone “Drumming” (1971-1972) para voces y percusiones.
Entre 1970 y 1973 colaboró estrechamente con la bailarina y coreógrafa Laura Dean, en 1973 y 1974 estudió la técnica de los gamelanes balineses en Semar Pegulingan y Gambang en la American Society for Eastern Arts en Seattle y en Berkeley, California.
De este periodo son “Six Pianos” (1973) y “Music for Eighteen Musicians” (1976).
A finales de los años 80, Reich empleó de nuevo cintas magnéticas, como en “Different Trains” para cuarteto y cinta, y con los años se ha ido alejando del minimalismo y “City Life” (1995), para instrumentos y samplers, marca una evolución en la utilización de la tecnología.
Con The Cave (1989-1993) se lanzó a la creación multimedia, en 1994 fue nombrado miembro de la American Academy of Arts.
En rueda de prensa con motivo del Premio Fundación BBVA “Fronteras del Conocimiento” 2013 en la categoría de Música Contemporánea, que recibirá este martes en Madrid, precisó que la ruptura entre los géneros “es algo anormal”.
“La norma es que la experiencia cotidiana de la música combine la popular con la culta. Solo una vez se cerró y fue una situación rara, pero ya hubo una restauración de los valores normales que siempre han estado en la música”, aseveró.
Sobre su obra, explicó que continúa con cánones aprendidos en los años 60 del siglo pasado como las técnicas serial o dodecafónicas, aunque ya con menos experimentación en cuanto a los sonidos que no parten de instrumentos tocados por las personas.
Recalcó que trabaja en una obra de música de cuerdas, vientos y bajo, que terminará en 2016 y se estrenará en Londres, París y Colonia, para después llevarla a Nueva York.
Asimismo, refirió la obra “Reescritura radiofónica” en la que trabaja a partir de dos canciones del grupo Radiohead, al conocer la obra del integrante de la banda Jonny Greenwood.
Destacó que también de su etapa reciente está la obra “WTC911” (por los atentados del 11 de septiembre de 2001) para cuarteto de cuerdas y voces de tres movimientos que incorporan voces de controladores aéreos, bomberos y mujeres judías que rezaban salmos por las víctimas.
Reich es considerado uno de los principales representantes de la música culta en Estados Unidos, estudió composición con Hall Overton, y después con William Bergsma y Vincent Persichetti en la Juilliard School (1958-1961), donde conoció a Philip Glass, y después con Darius Milhaud y Luciano Berio.
En ese tiempo fue cuando se desmarcó de la línea trazada desde Europa a partir de la Segunda Escuela de Viena y se sumó a la andadura propia de la música contemporánea estadunidense.
En 1963 obtuvo una maestría en Arte, y en 1964 participó en el estreno de “In C”, de Terry Riley, que le influye enormemente en su acercamiento a la música repetitiva.
Entre sus primeras obras destacan “It´s gonna rain” (1965) y en 1966 fundó su propio ensamble, el Steve Reich and Musicians, con el que logra éxito mundial.
En esos años frecuentaba pintores de su generación como Sol LeWitt y Robert Smithson y tocó en la Park Place Gallery entre 1966 y 1967, por lo que encarnó el minimalismo, cuya obra emblemática es “Pendulum Music”, que se sitúa entre la escultura sonora y la performance, y que sería estrenada en 1968 por él mismo y el pintor William Wylie.
En 1969, Steve Reich y Philip Glass trabajan algún tiempo con “Moondog” y lo proclaman padre y fundador del “minimalismo”.
En el verano de 1970, Reich estudia percusiones africanas en el Instituto de Estudios Africanos de la Universidad de Ghana y tras la experiencia compone “Drumming” (1971-1972) para voces y percusiones.
Entre 1970 y 1973 colaboró estrechamente con la bailarina y coreógrafa Laura Dean, en 1973 y 1974 estudió la técnica de los gamelanes balineses en Semar Pegulingan y Gambang en la American Society for Eastern Arts en Seattle y en Berkeley, California.
De este periodo son “Six Pianos” (1973) y “Music for Eighteen Musicians” (1976).
A finales de los años 80, Reich empleó de nuevo cintas magnéticas, como en “Different Trains” para cuarteto y cinta, y con los años se ha ido alejando del minimalismo y “City Life” (1995), para instrumentos y samplers, marca una evolución en la utilización de la tecnología.
Con The Cave (1989-1993) se lanzó a la creación multimedia, en 1994 fue nombrado miembro de la American Academy of Arts.
